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Solo exhibition at Youngju Mansion, Busan
Tending To Dusk
06 April - 04 May 2025

Introduction:

Looking at the night ocean, the horizon lit up by squid boats in what resembles gently pulsating garden lights, the line between the natural and cultural becomes increasingly blurred. A dimly blinking green light in a shrubbery at night could be the bioluminescence of a firefly's mating attempt - or the signal from an electric current running to a closed-circuit surveillance camera. Our conjecture and imagination mingle as we traverse the space between desire and reality - until we realize there is nowhere beyond the reach of human influence. Even the ocean is a cultural landscape. No line can be drawn anymore. We are everywhere, from the whistles emanating from unusually frequent high waves pressing against concrete tetrapods to the fine-particle dust fog that veils layers upon layers of both high-risers and mountains. But were we ever apart?

The fuzzier the line between the natural and cultural becomes, the clearer the beautiful, unresolvable contradiction emerges: we are simultaneously a mere detail of nature and a species defined by its quest to distance and differentiate itself from this very nature. More than asking how or where to draw the line, it becomes a question - or more a marvel - of the need to do so.

Exhibition layout:
The exhibition, TENDING TO DUSK, depicts the in-between of a natural and cultural landscape.
The exhibition consists of three interconnected bodies of work, incorporating found gas pipes that are fitted with lightbulbs, a synchronised multichannel video, and a sound installation. The works form a cohesive experience, where video, sound, and lighting interact in choreographed intervals, encouraging viewers to engage with the space holistically.

The exhibited works are;

   - How To Draw A Straight Line : A multichannel video installation portraying oceanic horizons illuminated by fishermen's boats.
   - The Song of Gapado : A sound piece built from rhythmic whistles recorded at the eastern harbour of Gapado Island.
   - Viimeinen Sammuttaa Valot (Last One Out Shut Off the Lights): Site-specific installation of found gas pipes that are fitted with lightbulbs.

Artist statement

For a long time, our work has been guided by a fascination of humankind's belief in progress as an all-healing force. Whereas progress itself is a natural, even fundamental condition of life, our interest lies in the shift from progress, or development, as a means to achieve a specific goal, to progress as an end in itself. This eerie feeling has only intensified over the past decade as we have observed the dramatic and often violent, yet melancholically beautiful transformation of Seoul's urban landscape. Our work consists of ongoing attempts of understanding this transformation, this aesthetics of progress.

We consider ourselves landscape artists. Like photographers, we seek and frame details within the landscape. These details can be anything from images and sounds to mental images, but most often physical objects, urban debris. From these landscape-fragments we create works-often by borrowing and blending characteristics from different time periods and artistic movements. We have transformed demolition waste into sculptures reminiscent of traditional scholar's stones; we made 'updated' versions of paintings depicting national landscapes of both Korea and Finland; we crafted sculptural, tentacle-like light installations from hundreds of gas pipes salvaged from demolished buildings; in an audiovisual piece, we treated the city's infrastructure - its concrete structures - as architectural sculptures; we created an installation resembling a city from hundreds of discarded photographs and frames found on the streets.

Central to our work is the idea of the exhibition as the final artwork: instead of treating the exhibition as a space or timeframe to be filled with finished pieces, we see this fleeting moment as tangible and permanent. We intentionally leave our individual works unfinished and use them as building blocks to construct site specific installations - landscapes on the verge of disappearance.
Our works stem from our inability to comprehend the world around us and our place within it. Our exhibitions are reinterpretations of this landscape. We want to place the viewer at the heart of this melancholic beauty - in the middle of a landscape that only humans could create, one that is cultural in the deepest sense of the word.

영주맨션 나나와 펠릭스 개인전
땅거미가 지는 곳
2025년 4월 6일 - 5월 4일

전시 개요:

밤바다의 오징어 배들이 마치 대공원 안 은은한 조명처럼 부드럽고 천천히 깜빡이며 수평선을 환히 비추는 풍경을 바라보며, 자연과 문화 사이의 경계가 점점 더 모호해진다. 어두운 밤 수풀 속 희미하게 빛나는 녹색불은 교미를 위해 신호를 내는 반딧불인지 아니면 폐쇄회로 카메라의 전원불인지, 추측과 상상이 더해지며 소망과 현실 사이를 오간다. 인간의 영향력 밖에 존재하는 것은 이제 아무것도 없다. 저 먼 바다조차도 문화적 풍경이며, 더 이상 명확하게 선을 그을 수 없다. 온난화의 잦은 태풍이 밀어내는 파도가 방파제 사이를 뚫고 만들어내는 휘파람 소리에서부터 오후 미세먼지에 잠식돼 코앞도 보이지 않는 첩첩산중까지, 인간은 모든 곳에 존재한다. 하지만 우리는 진정 분리된 적이 있었던가?
자연과 문화 사이의 경계가 모호해질수록 더욱 분명해지는 건, 자연에 귀속될 수 밖에 없는 인간 그리고 인류라는 종speices의 발전과 번영을 위해 자연에서 멀리 떨어져 나온 인간의 탐색 사이에 존재하는, 해결할 수 없는 모순이라는 것이다. 그 경계선이 어떻게 그려지고 어디에 그어야 하는지에 대한 질문보다는, 왜 우리는 선을 긋고 싶어하는 지에 대해 경외감을 느낀다.

전시 내용:

이번 전시 <땅거미가 지는 곳>은 분리불가능한 자연과 인공의 풍경과 끝없는 개발을 위해 파도처럼 밀려오는 철거 직전의 시간을 조명한다. 전시를 이루는 작품은 현재 제작 진행 중인 동영상 <명확한 경계선을 긋는 방법>, 사운드 작품 <가파도의 노래>, 그리고 가스배관조명 설치 작품인 <마지막으로 떠나는 사람이 불을 끈다> 이렇게 세 작품으로 이루어진다.

전시는 일시적인 시각적 접근이 아닌, 주기적으로 진동하는 숙고의 공간으로 구성된다. 영주맨션 공간에 맞춰 설치될 사운드, 영상, 배관/조명들은 서로 긴밀하게 연결되며 하나의 통합된 경험으로 배치되는데, 작가가 이전에 한번도 시도해보지 않은 형식으로서 전시를 만들어 나가는 형식에 있어서 여러 번의 기술적 실험이 예상된다. 전시될 세 점의 작품들은 서로 긴밀하게 짜여, 조명이 소등되는 순간 영상이 시작되고, 사운드가 희미해지면서 점등되는 등 전체적holistic 방식으로 작품들이 숨쉬는 구조를 추구한다.

작가 노트:

우리의 지난 작업은 ‘발전의 힘’이 모든 것을 치유할 수 있다는 인류의 맹목적인 믿음을 성찰하는 방식으로 전개되어 왔다. 발전이 생명의 근본적인 전제조건이기에, 우리는 발전 그 자체를 비판하는 것이 아니다. 하지만 우리가 주목하는 지점은 발전이 더 이상 특정한 목표를 향해 나아가는 것이 아니라, 그 자체가 목표가 되어버린 현상이다. 우리가 여기서 느낀 감정들은 지난 10년간 수도권은 물론 지방 도시로 집중되는 경관들이 개발을 위해 극적이고, 서글프며, 폭력적인 변화를 겪는 것을 목격하면서 더욱 심화되었다. 우리의 작업은 따라서 발전이란 어떤 모습을 가지고 있는지 이해하려는 지속적인 시도로 볼 수 있으며, ‘발전의 미학’을 드러내는 형상들을 포착하는 작품들을 만들어내는 것이라고 할 수 있다.

우리는 스스로를 풍경화가라고 생각하며, 사진가처럼 풍경의 한 부분을 포착하고 떼어낸다. 이처럼 세분화된 부분들은 이미지, 사운드, 때로는 정신적 인상 혹은 종종 물리적인 사물이 되기도 한다. 그리고 이렇게 조각난 풍경들은 다른 시대들의 문화적 또는 예술적 특성들을 자주 차용하거나 혼합하여 가공과 재해석을 거쳐 작품으로 탈바꿈된다. 철거 지역에서 찾은 잔해들을 가지고 수석을 연상시키는 조형물을 만들었고, 한국과 핀란드 각각의 나라를 상징하는 대표적인 풍경화를 바탕으로 우리는 업데이트된 현재 버전을 만들기도 했으며, 재개발이 시작된 주택 외벽에서 폐기된 가스 배관을 모아 다양한 조명 작품들 그리고 촉수처럼 넓게 공간과 공간을 이으며 좀 더 큰 스케일의 설치 작품으로도 탈바꿈시켰다. 도시 기반 시설의 콘크리트 구조물들을 건축적 조형물들로서 재해석하는 영상과 사운드 작업들을 만들었으며, 길거리에 버려진 수백여점의 액자들과 사진들로 한 동네를 연상시키는 설치작품을 만들기도 했다.

열거한 모든 작업을 관통하는 핵심은 전시라는 개념 자체를 하나의 완성된 작품으로 바라보는 것이다. 완성된 작품들을 단순히 고정된 전시 공간과 정해진 시간 사이에 채워넣는 행위로 접근하기 보다는, 전시 기간이라는 찰나의 시간을 지속되는 실체로 바라본다. 그런 까닭에 우리는 개별 작품들을 의도적으로 미완성의 상태로 두고, 전시 공간에 인도되면서, 사라질 위기에 처한 하나의 풍경을 만들어내는 재료로 쓰는 방법을 자주 사용한다.

우리의 작업은 근본적으로 급변하는 세계와 주변 환경 속에서 고정할 수 있는 위치를 찾지 못하는 것에서 비롯된다. 그래서 우리가 만들어온 전시들은 현재의 기준점을 잃어버린 상태에서 우리가 바라보는 풍경을 재해석 하는 것이라고 할 수 있다. 우리는 관객 또는 독자를 이 안타까운 아름다움의 중심, 즉 인간만이 만들 수 있는 풍경의 중심에 두고자 한다.